Entre las incorporaciones recientes de la Colección Helga de Alvear destaca la obra Bay Area Blues (2018) de Larry Bell, adquirida en la última celebración de la feria de arte ARCO de Madrid. Fue sin duda una de las piezas destacadas de la feria, así que creemos importante acercárosla virtualmente y destacarla dentro de la colección. La obra de Larry Bell es considerada un hito de movimientos tan fundamentales de la segunda mitad del siglo XX como el minimalismo, y el artista un miembro relevante del grupo denominado Light and Space Group (Grupo de la luz y el espacio), que surge en la costa oeste de los Estados Unidos a comienzos de la década de los sesenta del siglo XX, junto a artistas como Robert Irwin, James Turrell o John McCracken, todos ellos igualmente representados en la Colección Helga de Alvear. Pero además nos encontramos con una obra de madurez, alcanzando las máximas cotas de su experimentación con la luz a través de un medio fundamental en su producción, el cristal.

Bay Area Blues, 2018

Bell continúa aquí su investigación sobre las propiedades físicas de la luz, los materiales que la transforman y los espacios donde se muestran. Recurre de nuevo a las cualidades lumínicas del cristal mediante una estructura que formuló en Made for Arolsen de 1992, basada en una estructura prismática formada por cuatro paneles dentro de una estructura cúbica más grande, igualmente de cuatro paneles, sin cerrar en sus partes inferiores y superiores.

Larry Bell, Untitled Maquette (Cornflower Blue / True Sea Salt), 2018. Cristal laminado

 

En Bay Area Blues confronta parejas de colores, dividiendo las estructuras en dos caras de un color y otras dos caras de otro color, y a su vez contrastando estos colores en las caras enfrentadas de las dos estructuras (los blancos cara a cara con los azules). En este caso hace uso de los avances recientes en cristal arquitectónico de color, realizando los paneles con cristal laminado de 183 centímetros de altura, en los que utiliza dos tipos de azul, un intenso lapislázuli para la estructura exterior y un azul aciano más tenue para la estructura interior, y un blanco translucido denominado “True Sea Salt Glass” que emplea tanto en el interior como en el exterior de la pieza.

La disposición cubica y enfrentada hace que la obra constantemente se transforme en sutiles gradaciones tonales azuladas que dependen de la interacción del punto de vista del espectador moviéndose alrededor de la pieza, del más tenue al más intenso (o al contrario), jugando con los niveles de saturación del azul. Para Bell el uso del cristal  es esencial ya que, como él mismo define, “es un líquido sólido que tiene tres cualidades distintivas y simultaneas: refleja luz, la absorbe y la transmite al mismo tiempo”.

Tres vistas de Bay Area Blues desde diversos ángulos

 

A su vez continua con la exploración espacial de la forma cúbica, una forma esencial que para Bell posibilita la percepción de los diversos gradientes de luz en el objeto al estar formado íntegramente por ángulos rectos que, para el artista, son los que mejor definen estos efectos lumínicos en el espacio.

Larry Bell, Venice Fog, 2017. Cristal laminado

 

En Bay Area Blues, al igual que hizo un año antes con Venice Fog (2017), sintetiza aspectos atmosféricos del paisaje costero de Venice Beach en Los Ángeles, donde el artista ha tenido su estudio durante más de seis décadas. En este caso, las gradaciones azuladas de la bahía de Venice, que la definen y caracterizan. Es como si a través de sus estructuras se extrajese la esencia de los matices de su luz. En el caso de Venice Fog la característica niebla de la mañana que llega desde la costa de California, iluminada por el sol naciente, y en Bay Area Blues las tonalidades del mar desde un intenso azul lapislázuli hasta un suave azul aciano, y las blanquecinas espumas de las olas del mar, que logra con ese cristal translucido cuyo nombre comercial es significativamente “True Sea Salt” (verdadera sal marina). Desde sus diversos puntos de vista, Bay Area Blues condensa todos los matices lumínicos que la visión de este paisaje transmite al artista, y expresa de esta forma, mediante la esencialidad de formas y materiales, la infinitud de los matices de la naturaleza, moldeada por una luz en constante transformación, cuya belleza, con frecuencia, nos pasa inadvertida.

Larry Bell, Bay Area Blues, 2018. Cristal laminado. Instalación en Anthony Meier Fine Arts, San Francisco

 

 

Light and Space Group

Relacionado con el Op Art, el minimalismo y la abstracción geométrica, tiene su origen en el sur de California en la década de 1960. Se caracteriza por centrarse en los fenómenos de la percepción en relación a la luz, el volumen y la escala, y por el uso de materiales como el cristal, los neones, las luces fluorescentes, la resina acrílica, a menudo formando instalaciones. Ya sea dirigiendo el flujo de la luz natural, la incorporación de la luz artificial, o jugando con la luz a través del uso de materiales transparentes, traslúcidos o reflectantes, estos artistas hacen de la experiencia del espectador ante los fenómenos sensoriales de la luz el foco de su trabajo. Incorporan a sus obras las últimas tecnologías de las industrias asentadas en el sur de California para desarrollar sus sensuales y luminosos objetos. La naturaleza de sus obras se ponía en juego en el título de la exposición realizada en UCLA,,en 1971, que mostró a este movimiento emergente,  «La transparencia, la reflexión, la luz, el espacio», todos ellos elementos clave para adentrarnos en la obra de Larry Bell. La incorporación de este artista a la nómina de la Colección Helga de Alvear supone añadir otro nombre fundamental de este grupo y del arte norteamericano de esta época.

Larry Bell fotografiado junto a su primera cámara de vacío y unos de sus cubos de cristal, Nueva York, 1966

 

¿Quién es Larry Bell?

Larry Bell nace en Chicago en 1939 pero al poco tiempo su familia se traslada a Los Ángeles. Allí asiste al Chouinard Art Institute de 1957 a 1959, donde inicia una etapa pictórica ligada a los parámetros estilísticos del expresionismo abstracto que abandona a comienzos de los sesenta, para realizar pinturas donde crea la ilusión de formas geométricas tridimensionales en superficies planas, basadas en proyecciones isométricas de formas cúbicas. Juega a su vez con las formas poligonales que realiza con la forma de los lienzos, donde suele achatar dos de sus ángulos.

Compagina su asistencia a clase con su trabajo en una tienda de enmarcado en San Fernando Valley, donde tiene lugar un hecho que llevará su visión artística hacia nuevos derroteros. Un día situó un resquebrajado trozo de cristal con un papel azul pegado dentro de una vitrina transparente. El resultado fue un efecto que le llamó poderosamente la atención, vio cómo se creaba una línea definida por su reflejo, su sombra y la línea misma, las tres funcionando dentro del contenedor simultáneamente.

Larry Bell, Untitled, Cristal espejado y acrílico sobre lienzo, 1962

 

A estas primeras pinturas geométricas Bell comienza a introducir el cristal espejado y transparente que le permite jugar con la transparencia, la opacidad y la reflexión de la luz que provoca. A partir de 1962 su obra se vuelve tridimensional mediante pequeñas cajas formadas por marcos de madera y cristal, que denomina como Shadow Boxes (Cajas de sombra), donde crea formas geométricas atrapadas entre cristal. Pero será en 1963 cuando comience a desarrollar sus primeras versiones de cubos de cristal sobre peanas trasparentes de metacrilato, en los que, mediante molduras de madera o metal cromado que se van haciendo cada vez más ligeras, desarrolla en el cristal diseños de elipses, bandas y ajedrezados, jugando con los elementos opacos y transparentes de su superficie.

Larry Bell, Untitled, 1964. Metal y cristal. Colección Tate, Londres

 

Estos diseños los abandona hacia 1965 para ir un paso más allá en la depuración formal de sus cubos, que se centran definitivamente en las cualidades del cristal tratado mediante una técnica novedosa utilizada en la industria óptica y aeronáutica. Se trata de la deposición de partículas metálicas por dispersión gaseosa al vacío sobre el cristal, creando una fina película que transforma sus cualidades ópticas, produciendo sutiles gradaciones tonales y juegos con los niveles de transparencia y opacidad, el reflejo y la absorción de la luz en su superficie. Con estas obras realiza su exposición individual en la Pace Gallery de Nueva York en 1965, obteniendo un importante reconocimiento que tuvo un año después su confirmación al participar en la célebre exposición “Primary Structures” organizada por el Jewish Museum de Nueva York en 1966, que se ha visto como el evento que produjo la eclosión del minimalismo. Debido al éxito obtenido decide pasar una temporada en Nueva York y es entonces cuando invierte las ganancias de la venta de sus obras en una cámara de recubrimiento de cristal al vacío que le permitía realizar por sí mismo la técnica de “Deposición al vacío de películas delgadas”.

Larry Bell, Untitled, 1965-1966. Cristal y acero cromado

 

Los cubos empiezan a definirse únicamente mediante paneles de cristal sin estructura cromada unidos a bisel unos con otros, lo que logra una mayor desmaterialización de la obra y la posibilidad de incidir más en las cualidades lumínicas de este material.

Una vez de vuelta a su estudio en Venice Beach en Los Ángeles en 1969 adquirió una cámara de vacío más grande para poder aumentar la escala de sus piezas y, que posteriormente, en 1975, trasladaría  a su estudio en Taos, Nuevo México. El deseo de poder hacer paneles de cristal de mayores dimensiones responde al deseo, según sus palabras, de que sus obras no solo funcionaran en su visión frontal, sino también en su visión periférica, lo que, a su vez, conllevó la ruptura del cubo hacia el desarrollo de los paneles distribuidos en el espacio, donde las personas pudieran moverse y ver entre y a través de ellos. Lo que culminó en su obra The Iceberg and It’s Shadow, realizada en 1974, formada por más de medio centenar de paneles ajustables al espacio de exhibición.

Larry Bell, The Iceberg and it’s Shadow, 1974. Paneles de cristal recubiertos con Inconel y monóxido de silicio

 

A finales de la década de los setenta comienza su serie de dibujos de vapor y pinturas espejo, en los que continúa indagando sobre los mecanismos de la percepción, sin abandonar a su vez las obras a gran escala de sus cubos y sus instalaciones de estructuras de cristal hasta la actualidad.

¿Sabías que…?

Larry Bell aparece en la portada del icónico álbum de los Beatles “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” (1967), detalle de una fotografía que le hizo su amigo Dennis Hopper en 1964, y es uno de los pocos supervivientes en la actualidad de los personajes que se muestran en la portada.

Recursos en línea sobre Larry Bell y Bay Area Blues:

Film Complete Cubes: Inside Larry Bell’s Taos Studio. Hauser & Wirth
Exposición “Larry Bell: Bay Area Blues” en la Anthony Meier Fine Arts, San Franscico
Obras de Larry Bell en la Tate, Londres

Otras obras de la Colección Helga de Alvear del Light and Space Group:

James Turrell, On (Projection Hologram), 1992

Robert Irwin, #3 x 6´ – Four Fold, 2011

John McCracken, Dream, 2008

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