Museo de arte contemporáneo Helga de Alvear

Relacionado con el Op Art, el minimalismo y la abstracción geométrica, tiene su origen en el sur de California en la década de 1960. Se caracteriza por centrarse en los fenómenos de la percepción en relación a la luz, el volumen y la escala, y por el uso de materiales como el cristal, los neones, las luces fluorescentes o la resina acrílica, a menudo formando instalaciones. Ya sea dirigiendo el flujo de la luz natural, su incorporación artificial, o jugando con ella a través del uso de materiales transparentes, traslúcidos o reflectantes, estos artistas hacen de la experiencia del espectador ante los fenómenos sensoriales de la luz el foco de su trabajo.

Incorporan a sus obras las últimas tecnologías de las industrias asentadas en el sur de California para desarrollar sus sensuales y luminosos objetos. La naturaleza de los trabajos de estos artistas se ponía por primera vez en juego en el título de la exposición realizada en UCLA en 1971, que mostró a los artistas de este movimiento emergente, “La transparencia, la reflexión, la luz, el espacio”, todos ellos elementos clave de sus obras. La Colección Helga de Alvear cuenta con el trabajo de los artistas más representativos de este movimiento.

James Turrell (Los Ángeles, 1943)

Entre los más destacados está James Turrell. Su formación en psicología y matemáticas en el Pomona College, Claremont, completada con estudios de bellas artes, y su participación en el programa de investigación sobre fenómenos perceptivos con Robert Irwin y Edward Wortz (1968), en el LACMA, han sido determinantes para el desarrollo de su obra. Coincidiendo con las indagaciones del “Light and Space Group”, sus piezas de luz, inauguradas en 1966, adoptan la simplicidad como máxima y la luz como materia que amplifica y da forma a la percepción, sorprendiendo y desorientando la experiencia sensorial y alterando el espacio en una vivencia desestabilizadora y al mismo tiempo hipnótica, que pretende inducir una conciencia de percepción, verse a uno mismo viendo, y comunicar sentimientos de trascendencia. 

John McCracken (Berkeley, 1934 – Nueva York, 2011)

Otro de los artistas más destacados del “Light and Space Group” es John McCracken. Antes de terminar sus estudios de pintura (1957-1965), comenzó a investigar la relación entre pintura y escultura, y desde 1966 crea sus distintivas formas escultóricas. Geometrías simples, monocromas, realizadas con materiales industriales, contrachapado o metal, y trabajadas para convertirse en superficies reflectantes de su entorno. A medio camino entre la pintura y el objeto, sus obras se relacionan con el Minimalismo, el Finish Fetish y el Arte Conceptual, pero también con estructuras prehistóricas y la ciencia ficción. Lugares de diálogo entre abstracción, belleza, material y desmaterialización, sus trabajos proclaman una brillante naturaleza objetual, pero, paradójicamente, se convierten con sus rasgos de intemporalidad y extrañeza, en presencias silenciosas que afirman una dimensión trascendente y metafísica.

Robert Irwin (Long Beach, California, 1928)

Pionero en la utilización de la luz y los efectos lumínicos en sus obras, fue maestro de James Turrell, Ed Ruscha o Chris Burden, siendo profesor de la Universidad de California en Los Ángeles durante muchos años. Con un inicio relacionado con la pintura expresionista abstracta en los años cincuenta, en la segunda mitad de la década de los sesenta del siglo XX comienza a explorar las cualidades perceptivas de la luz en obras basadas en discos de aluminio curvados. En los setenta se embarca definitivamente en lo que será su investigación estética, basada en la intervención de los espacios expositivos para alterar la experiencia visual y fenomenológica de los espectadores usando como elemento principal la naturaleza de la luz. Denominadas como “Luz y espacio”, utiliza velos, telas y luces fluorescentes con las que investiga problemas perceptivos en relación a lo transparente o lo translúcido, y los cambios que la luz produce en el espacio. También ha realizado numerosas obras “site-specific” como “1º 2º 3º 4º” (1997) en el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego o “Untitled” (2016) en la Fundación Chinati en Marfa, Texas.

Larry Bell (Chicago, 1939)

Y un último protagonista del “Light and Space Group” en la Colección Helga de Alvear es Larry Bell, del que puedes ver una de sus obras actualmente en la exposición permanente del museo.

Aunque nace en Chicago al poco tiempo su familia se traslada a Los Ángeles. Allí asiste al Chouinard Art Institute de 1957 a 1959, donde inicia una etapa pictórica ligada a los parámetros estilísticos del expresionismo abstracto que abandona a comienzos de los sesenta, para realizar pinturas donde crea la ilusión de formas geométricas tridimensionales en superficies planas, basadas en proyecciones isométricas de formas cúbicas.

 

Larry Bell, Untitled, 1962. Cristal espejado y acrílico sobre lienzo

Estos diseños los abandona hacia 1965 para ir un paso más allá en la depuración formal de sus cubos, que se centran definitivamente en las cualidades del cristal tratado mediante la deposición de partículas metálicas por dispersión gaseosa al vacío sobre el cristal, produciendo sutiles gradaciones tonales y juegos con los niveles de transparencia y opacidad, el reflejo y la absorción de la luz en su superficie. Con estas obras realiza su exposición individual en la Pace Gallery de Nueva York en 1965. Debido al éxito obtenido decide pasar una temporada en Nueva York y es entonces cuando invierte las ganancias de la venta de sus obras en una cámara de recubrimiento de cristal al vacío que le permitía realizar por sí mismo los cristales.

Los cubos empiezan a definirse únicamente mediante paneles de cristal sin estructura cromada unidos a bisel unos con otros, lo que logra una mayor desmaterialización de la obra y la posibilidad de incidir más en las cualidades lumínicas de este material. Una vez de vuelta a su estudio en Venice Beach (Los Ángeles) en 1969 adquirió una cámara de vacío más grande para poder aumentar la escala de sus piezas. La necesidad de poder hacer paneles de cristal de mayores dimensiones responde al deseo, según sus palabras, de que sus obras no solo funcionaran en su visión frontal, sino también en su visión periférica, lo que, a su vez, conllevó la ruptura del cubo hacia el desarrollo de los paneles distribuidos en el espacio, donde las personas pudieran moverse y ver entre y a través de ellos. Lo que culminó en su obra “The Iceberg and It´s Shadow”, realizada en 1974, formada por más de medio centenar de paneles ajustables al espacio de exhibición.

 

Larry Bell, The Iceberg and it’s Shadow, 1974. Paneles de cristal recubiertos con Inconel y monóxido de silicio

¿Sabías que…?

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